ARQU 4213 - Dianne Monge Cruz

  En la arquitectura contemporánea, la oposición entre tipología y ficción puede resultar demasiado rígida. Cada vez es más claro que incluso la tradición más asentada puede convertirse en un territorio de invención, y que la ruptura más radical se ancla, aunque sea en negativo, en algún precedente. La tipología no es una jaula, sino un lenguaje común desde donde se puede proponer una narrativa personal. Y la ficción, lejos de flotar en el vacío, se nutre del eco de lo conocido para que lo extraño tenga sentido. En este cruce aparece una tercera posibilidad: la ficción tipológica, donde lo heredado y lo imaginado se entrelazan en una arquitectura que cuenta una historia sin dejar de dialogar con la memoria.   Trabajar con tipos no significa reproducir fórmulas, sino jugar con reglas que pueden alterarse, deformarse o intensificarse. Como un escritor que retoma un mito clásico para contar algo nuevo, el arquitecto que proyecta desde lo tipológico puede incorporar giros ines...

          Pensar lo inacabado como una estética o estrategia de diseño no es simplemente aceptar la imperfección: es abrir la puerta a lo posible. En lugar de ver una obra como algo completo y autosuficiente, se propone una visión en la que el objeto arquitectónico o artístico invita a la intervención, a la imaginación, a la apropiación. Una superficie sin pulir, una estructura visible, un muro que no ha sido revestido, pueden parecer inacabados, pero contienen el potencial de algo en transformación. En ese sentido, lo inacabado no es solo una forma: es una actitud. Es una forma de habitar el tiempo desde la apertura.           En la arquitectura, esto se traduce en proyectos donde el usuario se vuelve parte activa del proceso, no solo como habitante, sino como co-creador de sentido. Espacios que no se presentan como cerrados o terminados, sino como sistemas vivos que permiten adaptaciones, errores, modificaciones. Un techo s...

  La autenticidad en arquitectura no reside en un origen puro, sino en su capacidad de transmitir significado a través del tiempo. Lejos de la obsesión por lo original, la práctica arquitectónica nos demuestra que los edificios más relevantes no siempre son los primeros, sino los que logran ser leídos, reactivados, reconstruidos desde nuevos contextos. En ese sentido, la réplica no es una copia subordinada, sino un medio de traducción: una forma de decir lo mismo con otro acento, otro cuerpo, otra temporalidad. La autenticidad no está en la materia original, sino en la fuerza de lo que se conserva, se interpreta y se transforma. Así, cada acto de réplica o restauración no busca revivir el pasado, sino componer un presente consciente de su herencia.   Dibujar, copiar e intervenir son operaciones que no niegan la invención, sino que la posibilitan. La copia crítica, como plantea el tercer texto, no es una renuncia al pensamiento original, sino una forma de encarnar saberes, ...

  Este semestre nos ofreció algo más que conceptos y obras arquitectónicas: nos ofreció un espacio para pensar con pausa, para detenernos y construir una mirada más crítica sobre lo que proyectamos y lo que habitamos. A través de las reflexiones semanales, fuimos encontrando una voz, no solo para escribir, sino para observar. Temas como la fragmentación, el orden evolutivo, la superficie como umbral, o la arquitectura como lenguaje narrativo dejaron de ser ideas abstractas para convertirse en herramientas que ahora forman parte de nuestra forma de pensar. La escritura nos permitió trazar conexiones entre lo leído, lo debatido y lo vivido. Más que una tarea, cada texto fue una forma de diseñar pensamiento.   A medida que avanzábamos, descubrimos que lo académico y lo emocional no son mundos opuestos, sino partes complementarias del diseño arquitectónico. Aprendimos que una obra puede ser lógica sin dejar de ser poética, y que una fachada puede comunicar tanto como un progra...

  En la arquitectura contemporánea, la superficie ya no puede entenderse solo como una fachada decorativa ni como un simple borde entre interior y exterior. La envolvente del edificio es, hoy más que nunca, una zona de negociación simbólica, donde se cruzan lo visual, lo funcional, lo histórico y lo emocional. Algunos arquitectos como Frank Gehry empujan esa superficie hacia una expresión fragmentaria, dislocada y dinámica, reflejo de un mundo sin certezas absolutas. Otros, como Rafael Moneo, la contienen, la silencian, proponiendo que la unidad formal sea una forma de resistencia ante el ruido de la multiplicidad. Ambas estrategias operan desde la superficie, pero con intenciones profundamente distintas.   El Museo Guggenheim de Bilbao, con sus pieles de titanio curvadas y discontinuas, se presenta como una superficie que niega la claridad. No pretende explicarse de una vez, sino sugerir múltiples lecturas a través del movimiento, el reflejo y el caos contenido. Esta frag...

  En la arquitectura contemporánea, el fragmento no es un error ni una carencia, sino una puerta abierta a múltiples interpretaciones. Frente a la visión clásica del todo como garante de verdad —planteada por Hegel—, el pensamiento fragmentario permite romper con las expectativas de unidad cerrada. Un edificio no tiene que explicarse completamente desde una única narrativa. Puede, en cambio, ofrecer distintas capas de sentido desde sus partes, desde lo que interrumpe o se separa. La fragmentación, en este sentido, no niega el valor del conjunto, pero sí cuestiona la necesidad de su completitud. Aceptar la fragmentación en el diseño arquitectónico es reconocer que vivimos en un mundo complejo, contradictorio y no siempre armónico. La arquitectura que se piensa desde lo múltiple, como sugeriría Adorno, no busca esconder los conflictos bajo una imagen totalizante, sino hacerlos visibles. Espacios asimétricos, materiales que contrastan, recorridos inconclusos o volúmenes dislocados p...

  En el contexto del Palacio de Santa Catalina, el jardín se revela como algo más que un espacio decorativo: es un tejido de memorias, símbolos y tensiones colectivas. Durante la conferencia ofrecida por Teresita del Valle y Félix Ramos López, quedó claro que intervenir un paisaje histórico es también intervenir en la sensibilidad de quienes lo habitan, lo recorren o lo recuerdan. La vegetación, los senderos y las esculturas no son solo elementos compositivos, sino portadores de significado. En este caso, el jardín no solo enmarca un edificio: narra fragmentos de historia política, social y emocional de Puerto Rico. El diseño paisajista, por tanto, actúa como un medio de traducción entre pasado y presente.   Transformar espacios públicos cargados de memoria no es una tarea simple ni neutra. Requiere mucho más que talento estético; demanda una planificación cuidadosa, sensibilidad social y, sobre todo, una escucha activa. La charla mostró cómo un gesto bien intencionado, co...

  En la arquitectura contemporánea, el orden ya no es sinónimo de rigidez, repetición o simetría ideal. Más bien, comienza a entenderse como un sistema vivo, donde cada elemento puede adaptarse, transformarse o desviarse sin perder coherencia. Este enfoque se aleja de la idea clásica del edificio como un objeto terminado y lo sitúa dentro de una lógica procesual. Inspirado en modelos biológicos y estructuras naturales, el orden arquitectónico moderno se vuelve más flexible, abierto al contexto y a los cambios del tiempo. Así, el diseño se convierte en una práctica dinámica, más cercana a la evolución que a la imposición.   Este modelo de pensamiento transforma la estructura en un agente activo de diseño, y no simplemente en un soporte técnico. Como señala el concepto de estructura-organismo, la forma no se aplica desde fuera: emerge desde dentro del sistema, como el crecimiento de una rama o la expansión de una célula. Las estrategias de derivación y desviación permiten qu...

  En una era donde muchos edificios tienden a la neutralidad, lo genérico y la repetición tipológica, la arquitectura “Duck” irrumpe como un acto de resistencia visual. Estas construcciones no temen ser leídas, no temen comunicar de forma inmediata, incluso cuando lo hacen desde lo literal. Frente al vidrio plano y el minimalismo internacional, un edificio en forma de canasta, pato o teterita se convierte en un gesto audaz que reclama atención. Puede parecer ingenuo, pero tiene un poder que muchas arquitecturas pretenciosamente sofisticadas han perdido: ser memorable. En ese sentido, los “ducks” no solo comunican, narran, provocan y, sobre todo, se anclan en la memoria colectiva.   Lo que a menudo se descarta como excentricidad superficial, puede leerse también como una postura crítica hacia la deshumanización del espacio. En un paisaje urbano saturado de cajas indistintas, una arquitectura que se atreve a representar una historia, una identidad o una función específica co...

  La arquitectura contemporánea ya no puede definirse únicamente por su forma final, sino por las relaciones que establece: entre partes, entre gestos formales, y entre edificio y entorno. Hoy, el proyecto arquitectónico se piensa más como un sistema abierto que como un objeto cerrado. Este sistema se compone de elementos que, aunque autónomos, adquieren significado en conjunto: volúmenes, superficies, materiales y vacíos se articulan como un lenguaje con gramática propia. Cada componente no es una pieza decorativa ni aislada, sino un nodo dentro de una red de decisiones que afectan la experiencia, el uso y la percepción del espacio. Esta forma de concebir la arquitectura permite una mayor capacidad de adaptación y diálogo con contextos diversos, físicos y culturales.   Ejemplos como el Kursaal y el Guggenheim evidencian que el diseño no se trata de elegir entre rigidez o libertad formal, sino de entender cómo cada gesto afecta la atmósfera del lugar. En el Kursaal, la rep...

  En arquitectura, solemos pensar en la superficie como un límite físico, una piel que separa el adentro del afuera. Pero más allá de su función envolvente, la superficie tiene el poder de mediar entre el gesto del arquitecto y el cuerpo del usuario. Es allí donde la intención se vuelve materia, y la materia se convierte en experiencia. Cada pliegue, cada textura o transparencia, condiciona cómo nos acercamos, tocamos o habitamos un espacio. No es solo lo que se ve: es también lo que se siente, lo que se atraviesa, lo que se percibe antes de entrar.   Al entender la superficie como una herramienta de mediación sensorial, su valor deja de ser meramente estético. La elección del material, el ritmo del módulo o la proporción de una fachada influyen directamente en el comportamiento del usuario. Un muro ciego puede generar tensión, mientras que una piel perforada puede invitar a la curiosidad. Esta experiencia corporal no siempre es racionalizada, pero deja huella. En este sen...

  La arquitectura ha oscilado históricamente entre dos polos: la racionalización estructural y la expresión emocional. Figuras como Jean-Nicolas-Louis Durand y Étienne-Louis Boullée, Frank Gehry y Rafael Moneo, o incluso Jørn Utzon, han encarnado estas tensiones en su obra, cada uno adoptando una postura que prioriza ya sea la sistematización del diseño o su capacidad para evocar experiencias. Sin embargo, más que enfoques excluyentes, estos paradigmas pueden entenderse como fuerzas complementarias dentro del quehacer arquitectónico.   Durand y Boullée representan los extremos más claros de esta dicotomía. Mientras que Durand veía en la arquitectura una disciplina ordenada, basada en la repetición y en principios geométricos racionales, Boullée concebía el diseño como un medio de inspiración y de expresión simbólica. Este contraste encuentra ecos en la contemporaneidad, donde la arquitectura modular y la prefabricación, herederas de Durand, conviven con edificios que busca...

  A lo largo de la historia, la arquitectura ha oscilado entre la precisión matemática y el impulso poético. Esta dualidad, lejos de ser una división rígida, se presenta como un campo de tensión creativa. Durand y Boullée no solo representan dos modos de proyectar, sino también dos maneras de entender la experiencia humana del espacio: la primera, como respuesta organizada a necesidades funcionales; la segunda, como provocación sensorial y emocional. Pero reducir la arquitectura a uno u otro extremo empobrece su verdadero potencial. Es en la zona intermedia, donde razón y emoción se superponen, que surge la arquitectura verdaderamente transformadora.   El diseño arquitectónico, como en una coreografía bien compuesta, requiere estructura pero también libertad para el movimiento. Al observar la evolución de la tipología teatral, notamos que tanto las ideas de Boullée como las de Durand siguen presentes. La separación simbólica del espectáculo y su tramoya —planteada por Boul...

  La conferencia Una Segunda Vida ofrecida por los arquitectos Guillermo Acevedo y Norma Ilia Fúster fue mucho más que una presentación de proyectos; fue una invitación a repensar el rol de la arquitectura en la reconstrucción del tejido urbano y social de nuestros pueblos. A través de ejemplos concretos en el casco urbano de Coamo, como el Cine Hollywood, la Casa Bernier y la Escuela de Bellas Artes, se nos recordó que conservar no es simplemente restaurar estructuras, sino reactivar memorias, valores y dinámicas comunitarias que, sin estos espacios, podrían desaparecer. La charla evidenció cómo cada edificio restaurado no solo representa una victoria técnica, sino una forma de resistencia ante el abandono y la desmemoria.   Uno de los aspectos más impactantes de la charla fue cómo se abordó la arquitectura patrimonial como un recurso activo para el desarrollo. La restauración del Cine Hollywood, por ejemplo, no se limitó a la preservación de un edificio Art Déco, sino qu...

  El texto de Carles Muro nos sumerge en la exploración de la arquitectura de Jørn Utzon a través de la metáfora de los “mundos paralelos”, un concepto que enfatiza tanto la experiencia espacial como la intersección entre razón e intuición en el diseño arquitectónico. Muro no se limita a un análisis formal de la obra de Utzon, sino que busca comprender su arquitectura desde la percepción y la transformación de la realidad. En este sentido, la comparación con Cosimo Piovasco di Rondó, el personaje de El barón rampante de Italo Calvino, resulta una metáfora poderosa que subraya la idea de la arquitectura como una elevación del punto de vista, una experiencia de descubrimiento y redescubrimiento del entorno.   Uno de los aspectos más notables del texto es cómo aborda la influencia de la arquitectura maya en la obra de Utzon. No se trata de una influencia meramente formal o estilística, sino de una reinterpretación del significado de la plataforma como un dispositivo que alter...

La arquitectura no debería entenderse únicamente como una técnica ni como una manifestación artística aislada. Más bien, es una conversación continua entre el conocimiento acumulado y la sensibilidad espontánea, entre lo que se ha aprendido y lo que se siente. En este diálogo, la norma representa la estructura, el orden, la proporción, los precedentes históricos y las exigencias del contexto. Por otro lado, el instinto aporta intuición, emoción, espontaneidad y la capacidad de responder a lo inesperado. Ambos impulsos, lejos de excluirse, pueden enriquecerse mutuamente cuando se les da espacio para dialogar.   Diseñar desde la norma brinda claridad, coherencia y seguridad. Permite crear espacios que responden a criterios técnicos, que funcionan correctamente y que se adaptan a las necesidades básicas del usuario. Sin embargo, cuando se ignora el instinto, la arquitectura corre el riesgo de volverse fría, repetitiva o desprovista de carácter. El instinto, en cambio, permite que ...